Le storie dietro i miei brani…

Appunti d’autore: testi, traduzioni e storia delle mie canzoni

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Ho deciso di creare questo spazio per raccontarvi ciò che c’è dietro ogni mia canzone.

Qui troverete le storie che hanno dato vita ai brani, le idee da cui sono nati, le ispirazioni, gli aneddoti che li accompagnano, i testi originali in inglese con la traduzione in italiano e tutto ciò che spesso rimane nascosto dietro pochi minuti di musica.

Vorrei che questo diventasse un luogo in cui andare oltre l’ascolto, un angolo in cui poter entrare davvero nel mio mondo musicale e scoprire il percorso che trasforma un’idea in una canzone.

Se vi va, accomodatevi.

Iniziamo.

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Ho iniziato a scrivere canzoni relativamente da poco. Eppure, ripensandoci, forse il seme era stato piantato molti anni prima.

Nell’estate del 2024 partecipai a un campus di chitarra blues. Tra le varie attività ce n’era una dedicata alla composizione: un laboratorio in cui, partendo da parole, emozioni e scrittura, si iniziava a parlare di creatività e di come nasce una canzone. Fu lì che qualcosa scattò dentro di me.

A dire il vero non ero del tutto estraneo a quel mondo. Anni addietro riempivo quaderni di pensieri, poesie, riflessioni e timidi tentativi di testi. Allo stesso modo, il telefono era pieno di registrazioni: riff di chitarra, melodie, bozze di ritornelli, frammenti di strofe. Tante idee sparse, nessuna davvero completa.

Dopo quel laboratorio decisi che era arrivato il momento di provarci sul serio. Nel frattempo avevo approfondito lo studio dell’armonia, della melodia e della chitarra, il mio strumento, e sentivo di avere finalmente gli strumenti per costruire qualcosa di più grande di una semplice intuizione.

Così nacque la mia prima canzone completa.

Non l’avete mai ascoltata e probabilmente non la ascolterete mai. Era un brano dedicato al caos del traffico romano, costruito su un riff rock e su un testo in inglese dal significato piuttosto confuso. Musicalmente e liricamente era lontano da ciò che scrivo oggi, ma aveva una qualità fondamentale: esisteva.

Da qualche parte bisognava pur cominciare.

Da quel momento è nato tutto. È nata la consapevolezza che scrivere canzoni fosse ciò che desideravo davvero fare. È nata una nuova passione, un nuovo modo di esprimermi e un obiettivo preciso: scriverne una, poi un’altra, poi dieci, cento… senza smettere mai.

Scelsi di scrivere in inglese per diversi motivi. Innanzitutto perché è la lingua della maggior parte della musica che ascolto e che mi ha formato. Inoltre la percepisco come particolarmente musicale, immediata e, paradossalmente, più naturale da scrivere rispetto all’italiano. C’è anche un’altra ragione, forse più personale: alcune emozioni riesco a raccontarle con maggiore libertà in una lingua che non è la mia. Come se l’inglese mi permettesse di prendere una piccola distanza da ciò che provo, rendendo più facile trasformarlo in parole. Sì, forse è anche un po’ una scorciatoia… una piccola “paraculata”. Ma mi sono promesso che prima o poi scriverò anche in italiano.

Un’altra scelta importante riguardò la voce. Per Guitar Pills decisi di non cantare i miei brani. Non mi sentivo ancora pronto. Mi vedevo esclusivamente come chitarrista e autore e non volevo che un’inesperienza vocale compromettesse il mio primo progetto.

Per questo chiesi a Riccardo di interpretarli. Conoscevo il suo talento, avevamo condiviso tantissima musica negli anni e sapevo che avrebbe dato ai brani esattamente ciò di cui avevano bisogno. Non avrei potuto fare scelta migliore.

Oggi, a distanza di tempo, sorrido ripensando a quella decisione. Perché proprio dopo Guitar Pills ho iniziato a studiare canto con maggiore convinzione, fino a trovare il coraggio di diventare anche la voce delle mie canzoni.

Adesso vi lascio ai brani. Ognuno di loro ha una storia, un’ispirazione, un aneddoto o un momento di vita che merita di essere raccontato. Spero che, conoscendoli da vicino, possiate ascoltarli con orecchie diverse.

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No Regrets!…

No Regrets è probabilmente il brano più autobiografico che abbia mai scritto.

Con un riff di chitarra rock che apre la strada, racconto il mio doppio mondo: la medicina e la musica. Due passioni che hanno sempre convissuto nella mia vita, accompagnandomi in ogni scelta. Non è stato sempre facile conciliarle e, nella maggior parte dei casi, è stata proprio la musica a dover fare un passo indietro.

Eppure non ho rimpianti.

Ogni decisione, ogni sacrificio e ogni deviazione mi hanno portato esattamente dove sono oggi. Aver costruito una professione stabile come medico mi permette ora di vivere la musica con maggiore libertà, senza rincorrerla ma scegliendola ogni giorno con ancora più consapevolezza.

Musica e medicina. Medicina e musica. Due strade che, invece di allontanarsi, hanno finito per incontrarsi.

No Regrets è il primo brano dell’EP Guitar Pills e, in un certo senso, è il modo più sincero che ho trovato per presentarmi.

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No Regrets

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Back in Town racconta, già dal titolo, un ritorno: il ritorno a casa.

Ho scritto questo brano pensando a quel periodo in cui sono rientrato nella mia città dopo aver vissuto in un altro luogo. Un momento fatto di cambiamenti, aspettative, timori e della necessità di ritrovare un equilibrio in un luogo che conoscevo bene, ma che nel frattempo sembrava essere cambiato insieme a me.

Nel testo si intrecciano immagini, ricordi, amicizie e quei rumori che rendono una città immediatamente riconoscibile. La città è Roma, con il suo biondo Tevere che attraversa ogni pagina della mia memoria.

Mi immagino di navigare lungo le sue acque, a volte calme, a volte agitate, lasciandomi trasportare dalla corrente ma senza perdere la direzione, guidato dalle stelle. È una metafora del ritorno, della ricerca di sé e della capacità di ritrovare la propria strada anche quando tutto sembra diverso.

Back in Town è una canzone sulla casa. Non solo quella fatta di strade e palazzi, ma quella che impariamo a riconoscere dentro di noi.

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Back in town 

(Verse 1)

Crush On U… poteva mancare la canzone romantica?

Mi sono imbattuto quasi per caso in questa espressione tipica dell’inglese colloquiale: I have a crush on you. Significa “ho una cotta per te”, o, per dirla in romanesco, “mi sono preso una bella travata”. Mi è sembrato subito un modo fresco, spontaneo e divertente per parlare dell’innamoramento, oltre che un titolo perfetto per una canzone.

L’idea musicale nasce da un semplice esercizio di chitarra su cui stavo lavorando. Da quell’armonia e da quella melodia sono nate poche parole, ma sincere e dirette. Ho immaginato il brano come una serenata dedicata a quella che, di lì a poco, sarebbe diventata mia moglie.

L’influenza di John Mayer, uno degli artisti che più hanno segnato il mio modo di scrivere e suonare, è evidente. Ma Crush On U è diventata ciò che è soprattutto grazie al prezioso lavoro di Jacopo come produttore, che ha saputo valorizzarne ogni dettaglio.

È stato il mio primo singolo in assoluto e, in qualche modo, anche il mio biglietto da visita come artista: un brano immediato e coinvolgente, con un groove che resta in testa, la splendida interpretazione vocale di Riccardo Ranalli e un lungo assolo di chitarra che rappresenta una parte importante della mia identità musicale.

Se dovessi descrivere Crush On U con una sola parola, sceglierei spontaneità. Perché, proprio come una cotta, è nata senza preavviso.

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Crush On U

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New Born è il brano più importante che abbia mai scritto.

Nel novembre del 2024 ho ricevuto la notizia che avrebbe cambiato per sempre la mia vita: sarei diventato padre. Da quel momento sono iniziate mille domande, mille emozioni e altrettante riflessioni. New Born nasce proprio da quel periodo di attesa, quando mio figlio era ancora un sogno che prendeva forma giorno dopo giorno.

In questo brano ho cercato di racchiudere tutto ciò che avrei voluto dirgli ancora prima di poterlo stringere tra le braccia: i desideri per il suo futuro, i valori in cui credo, i consigli che spero possano accompagnarlo nella vita e gli insegnamenti che considero davvero importanti.

Fin dall’inizio ho sentito che questa canzone non poteva avere una sola voce. Per questo ho voluto coinvolgere Valentina, la cui interpretazione ha dato al brano una sensibilità straordinaria. Ho immaginato quelle parole come un dialogo, o meglio ancora, come un abbraccio condiviso da un padre e da una madre. Nell’ultimo ritornello e nel verso finale la voce sua e di Riccardo si uniscono proprio per rappresentare quell’amore che cresce insieme a un figlio.

New Born mi emoziona dal primo giorno in cui l’ho scritta. E continua a farlo ogni volta che la ascolto, perché mi ricorda il momento in cui ho iniziato a immaginare la persona più importante della mia vita.

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New born

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Half Full, Half Empty nasce dall’incontro di due ricordi, apparentemente lontani, ma profondamente legati tra loro.

Il primo è una frase che lessi per caso, spesso attribuita – probabilmente in modo errato – a George Bernard Shaw. Il suo significato, però, mi colpì subito. Diceva, in sostanza, che non è così importante vedere il bicchiere mezzo pieno o mezzo vuoto. Perché se da una parte c’è stato un sognatore ottimista capace di immaginare un aereo per volare e toccare il cielo, dall’altra è servito un prudente pessimista per inventare il paracadute, pensando a ciò che sarebbe potuto accadere se qualcosa fosse andato storto.

Quella riflessione mi riportò immediatamente all’infanzia. Ricordo ancora quando mio padre mi fece la classica domanda: “Tu come lo vedi il bicchiere? Mezzo pieno o mezzo vuoto?” Una domanda semplice, ma che negli anni ha continuato ad accompagnarmi.

Da questi due episodi è nata Half Full, Half Empty.

Il brano si interroga su una questione che spesso diamo per scontata: la vita è davvero una scelta tra ottimismo e pessimismo? Oppure questa è una semplificazione di una realtà molto più complessa?

Credo che ognuno di noi attraversi momenti in cui vede il bicchiere mezzo pieno e altri in cui lo vede mezzo vuoto. E forse la verità sta proprio nelle infinite sfumature che esistono tra questi due estremi.

Half Full, Half Empty non vuole dare una risposta. Vuole semplicemente ricordare che il modo in cui guardiamo il mondo cambia continuamente, proprio come cambiamo noi.

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HALF FULL HALF EMPTY

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Black Hole, Light Again è il brano più intimo e vulnerabile dell’EP.

Sentivo il bisogno di scrivere una canzone che parlasse di depressione. È un tema di cui si discute ancora troppo poco e che, invece, merita di essere affrontato con sincerità e delicatezza. Ho scelto di farlo perché, per un breve periodo della mia vita, credo di essermi avvicinato a quella sensazione di smarrimento.

Era il periodo della pandemia. Il lavoro in ospedale era intenso, mi trovavo lontano da casa, le occasioni di socializzare erano quasi inesistenti e il futuro sembrava improvvisamente pieno di incertezze. Non è un brano autobiografico in senso stretto, ma nasce anche da quelle emozioni e da quel senso di isolamento.

In origine avevo scritto due testi distinti. Solo in un secondo momento mi sono reso conto che raccontavano due parti della stessa storia e li ho uniti in un unico brano.

Black Hole, Light Again non parla soltanto di me. È dedicato a tutte le persone che, almeno una volta nella vita, si sono sentite intrappolate nel buio della propria mente. Il “buco nero” del titolo è il simbolo di quei momenti in cui tutto sembra perdere significato. Ma la seconda parte del titolo, Light Again, racchiude il vero messaggio della canzone: anche quando sembra impossibile, una via d’uscita esiste.

Bisogna trovare la forza di risalire, rompere le catene che ci tengono ancorati all’oscurità e concedersi la possibilità di rivedere la luce.

Dal punto di vista musicale, Black Hole, Light Again è il brano più essenziale e cinematografico dell’EP. Il pianoforte apre il percorso con accordi lenti e sospesi, lasciando che ogni nota trovi il proprio spazio. Il violoncello aggiunge profondità e calore, accompagnando il crescendo emotivo con un timbro intenso e malinconico, mentre la chitarra elettrica, avvolta da riverberi e delay, disegna un’atmosfera ampia e quasi eterea, come una luce che lentamente si fa strada nell’oscurità.

Ogni strumento è al servizio del testo: non cerca di imporsi, ma di amplificarne le emozioni, accompagnando l’ascoltatore in un viaggio che parte dal buio e, poco alla volta, conduce di nuovo verso la luce.

Ho scelto di chiudere Guitar Pills con questa canzone perché rappresenta il lato più fragile della mia scrittura. È il modo più sincero che ho trovato per presentarmi: non solo attraverso ciò che so fare, ma anche attraverso ciò che, come tutti, ho avuto paura di affrontare.

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Black Hole, Light Again

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To be continued…

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Fase 2…

Così avevo iniziato a chiamare il mio nuovo progetto musicale.

Quando è uscito il mio primo EP immaginavo una sola cosa: portare quei brani dal vivo e godermi quel momento il più a lungo possibile. Non avrei mai pensato di rimettermi a scrivere in tempi brevi. Ma per una serie di circostanze i mesi passavano ed io anziché concentrarmi ad imbastire le prove e studiare le parti, continuavo a scrivere.

L’ispirazione funziona in modo strano. Non avvisa, non aspetta e non segue i programmi. Arriva quando vuole, e se vuoi continuare a creare devi avere il coraggio di seguirla.

Prima ancora di pubblicare il mio primo EP mi ero fatto una promessa: non fermarti. Non lasciare che sia soltanto un punto d’arrivo, una casualità dettata da un particolare momento, ma l’inizio di qualcosa che possa accompagnarti per tutta la vita. Continuare a scrivere canzoni.

Ed è esattamente quello che è successo.

Ho ricominciato a scrivere. Più di quanto mi aspettassi. Un brano dopo l’altro, quasi senza accorgermene, fino a ritrovarmi tra le mani un progetto molto più grande di quello che avevo immaginato: dieci brani inediti, nati in momenti diversi ma legati da un unico filo conduttore.

Durante la fase di pre-produzione, ascoltandoli insieme a Jacopo, ci siamo resi conto che quel materiale raccontava due anime molto diverse.

Da una parte c’erano canzoni più scure: testi più duri, temi complessi, critica sociale, sonorità più intense e un’atmosfera decisamente più cupa.

Dall’altra emergevano brani luminosi, fatti di speranza, pace, amore e rinascita, con un suono più aperto e un’intenzione completamente differente.

È stato naturale, quindi, immaginare il disco come un viaggio diviso in due parti.

Così è nato From Dark to Bright, il mio prossimo LP: dieci brani, divisi idealmente in due metà, che rappresentano due modi diversi di osservare il mondo e, forse, anche due lati della stessa persona.

Ma questo progetto porta con sé anche un’altra scelta importante.

Dopo tante riflessioni e grazie ai preziosi consigli delle persone che mi sono vicine, ho deciso di essere io stesso la voce di queste canzoni.

Non è stata una decisione semplice. Per certi versi è stata la scelta più difficile che abbia fatto dal punto di vista musicale. Ma proprio per questo è stata anche la più stimolante.

Ho deciso di mettermi nuovamente in gioco, affrontando un aspetto della musica che fino a quel momento non avevo mai approfondito davvero.

Così, da novembre 2025, ho iniziato un percorso di studio del canto, immergendomi in un mondo completamente nuovo. Un percorso fatto di tecnica, impegno, entusiasmo e continue scoperte, che mi ha fatto conoscere una parte di me che fino ad allora era rimasta nascosta.

Il primo passo di questo nuovo cammino è stato R U OK (With This)?!, il primo singolo del progetto, pubblicato poche settimane fa.

Se vi va, continuate a leggere qui sotto.

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R U OK (With This)?!

Non sarà certo una canzone a farci aprire gli occhi sul momento storico che stiamo vivendo.

Siamo ogni giorno circondati da guerre, violenza, devastazione, razzismo e da tante altre ferite che stanno rendendo questo mondo sempre più difficile da riconoscere e, per certi versi, sempre meno vivibile.

Non sono mai stato una persona che ama usare i social per esprimere rabbia, indignazione, preoccupazione o per prendere posizione su ciò che accade. Ho preferito far parlare la musica.

Per questo ho sentito il bisogno di scrivere R U OK (With This)?!.

Era il modo più sincero che avevo per dare voce a quello che provavo. Non volevo offrire risposte né impartire lezioni. Volevo soltanto trasformare quel senso di frustrazione e impotenza in qualcosa di autentico.

Un riff di chitarra che identifica il brano fin dalle prime note, cori potenti e una voce volutamente distorta si fondono per creare un’atmosfera di tensione e inquietudine, cercando di trasmettere tutta la rabbia, l’amarezza e il disagio che questo periodo storico mi suscita.

Spero che, ascoltandolo, possiate percepire almeno una parte di quelle emozioni e, magari, fermarvi per un momento a chiedervi la stessa domanda che dà il titolo al brano:

Are you OK with this?

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R U OK (With This)?!

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The Sky Promises To Hold Fair…

Sono profondamente legato a questo brano. Lo considero uno dei più belli che abbia mai scritto, sia per il testo sia per la sua struttura melodica e armonica.

Partiamo proprio dal testo.

Su consiglio di un amico, durante il suo corso di songwriting, iniziai a sfogliare un libro di poesie di Raymond Carver. I temi affrontati da questo poeta non erano particolarmente vicini a ciò che stavo cercando in quel momento. Eppure, anche nei luoghi più inaspettati si possono trovare delle piccole gemme. E così è stato.

Tra i versi di una poesia comparve una frase che mi colpì all’istante:

“The Sky Promises To Hold Fair.”

“Il cielo promette di rimanere sereno.”

Una frase di una forza incredibile, che ho voluto prendere in prestito e trasformare nel cuore del brano che avevo in mente di scrivere.

Lasciandomi guidare dalle immagini del mare, di un cielo stellato, della brezza leggera e del volo dei gabbiani, ho cercato di raccogliere tutte le emozioni che quei paesaggi sapevano evocare. Da lì è nata una canzone che parla di speranza, serenità e rinascita: dell’importanza di lasciarsi alle spalle le paure, ritrovare i ricordi più belli e riscoprire quella pace che, a volte, sembra perduta.

Una volta terminato il testo, l’ho cucito su una melodia e un’armonia per chitarra su cui stavo lavorando e l’ho fatto ascoltare a Jacopo.

Ricordo di avergli detto subito due cose.

La prima: “Questa la deve cantare Valentina.”

La seconda: “L’arpeggio di chitarra lo devi trasformare in uno di pianoforte.”

Entrambi i desideri si sarebbero realizzati.

Ma il primo, la scelta di Valentina come interprete, avrebbe assunto nel giro di poche settimane un significato ancora più profondo. Un significato nato da un momento difficile, doloroso, ma capace di legare questa canzone alle nostre vite in un modo che non avremmo mai potuto immaginare.

Da quel momento, ogni volta che ascoltiamo The Sky Promises To Hold Fair, riviviamo quelle emozioni. E credo che nessuno di noi riuscirà mai ad ascoltarla senza sentirsi attraversare da quel ricordo.

Per raccontare davvero ciò che questo brano rappresenta, però, le mie parole non bastano.

Per questo vi lascio a quelle di Valentina.

“Sono molto legata a The Sky Promises To Hold Fair perché questo brano mi ha parlato involontariamente di mio papà e vi racconto perché.
Sonni mi propose di cantare questo brano di cui non avevo ancora letto le parole ma avevo sentito la melodia e e già lo avevo trovato di grande ispirazione, ma l’aneddoto che ha dato una spinta emotiva fortissima al lavoro su questa canzone è questo che vi racconto adesso.
Quando ho perso il mio papà durante la funzione per il suo funerale ho narrato della sua vita, dei suoi insegnamenti e dei suoi grandi amori: il mare e le stelle.
È stato dopo aver ascoltato questo mio elogio che Sonni colpito dalle mie parole mi ha detto di leggere attentamente il testo di questa canzone, perché vi erano tantissime affinità con quanto aveva scritto lui e che aveva provato una grande emozione ad ascoltare le mie parole durante la funzione.
Questa canzone infatti racconta la bellezza della natura marina nel suo aspetto più poetico, quella meravigliosa sensazione di connessione con il pianeta che viviamo non appena siamo davanti alla maestosità del mare
Tutte quelle emozioni che davanti all’azzurro ti fanno sentire vivo e facente parte di questo meraviglioso pianeta.
Ecco perché questa canzone mi parla di mio padre. Ci ritrovo i suoi insegnamenti, il suo portarmi per mare, il suo spingermi a guardare le stelle o a studiare i venti. Davanti a quei colori a quei suoni io vivo tutto quello che questo brano racchiude: la speranza. So che cavalcherò ancora il vento, e tornerò a guardare le stelle danzare perché il cielo promette a tutti noi, anche a me, che tornerà il sereno“.

Non dovendo aggiungere altro, vi lascio al testo e alla sua traduzione.

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The Sky Promises To Hold Fair